sábado, 29 de enero de 2011

Wanda Jackson y otras pioneras

Ha sido noticia reciente en el panorama musical la aparición del último disco de Wanda Jackson, una posible candidata a "la abuelita Paz del rock". (Obsérvense los tacones de la abuelita Paz.)


Produce Jack White (parecería que no podría ser otro), y en él, la abuelita Paz, a sus 73 años, se atreve con... ¡Amy Winehouse!



Esta Wanda Jackson cantaba rockabilly (o sea, rocanrol tendencia country) en los años 50, cuando cantar rocanrol no quedaba fino en una señorita, y menos si era blanca. Pero el mundo de la música popular era, y aún es, un mundo de hombres (si no, que me digan cuál es la proporción hombres-mujeres en las aulas del Taller de Músics en la actualidad, 2011)...



...y nos ponemos a hacer la lista de los pioneros del rocanrol: Elvis, Chuck Berry, Jerry Lee, Bill Haley, Eddie Cochran, Carl Perkins, Little Richard (este, doblemente pionero como maricona desatada en un mundo muy machito)... todos tíos. Y mientras tanto, Wanda hacía discos, iba de bolos con Elvis, incluso salió con él... y tuvo hits como este: el título del último disco hace referencia a esta canción.



Pero parecería que no hubiera mujeres en el rock antes de los grupos de chicas de los 60, que eran más chicas-chicas que Wanda. Entre estos grupos figuraban las Marvelettes, que debutaron con la canción que consiguió el primer número 1 para la Motown, y cuya cantante principal acaba de fallecer (otra necrológica).



Todas cantantes: que me digan qué porcentaje de mujeres en las aulas del Taller de Músics en la actualidad, 2011, no son cantantes.

Si acaso, tocaban la guitarra (acústica, por favor), como la misma Wanda...



...o como las "folklóricas" tipo Joan Baez o, poniendo un ejemplo más oscuro, Buffy Sainte-Marie, cuya autobiográfica canción "Codine" ha llegado a ser una especie de standard, versioneada, entre otros, por dos mujeres que también saben de primera mano de lo que habla la canción: Janis Joplin y Courtney Love.



Pero las mujeres en el Rock Hall of Fame que tocaban instrumentos que no fueran la guitarra acústica y el piano eran cuatro pelagatas: la baterista Moe Tucker (Velvet Underground), la trompetista Cynthia Robinson (y otras "miembras") de Sly and the Family Stone, las guitarristas que pasaron por la banda de Bo Diddley (aquí, The Duchess)...



...y poco más. No obstante, instrumentistas antes de Suzi Quatro, Joan Jett y Sheila E, haberlas, habíalas.

De hecho, hubo grupos de chicas no sólo cantarinas antes de las Runaways. Estaban las americanas Fanny (seguro que sabían del significado asaz genital del nombre en Gran Bretaña), por donde pasó la hermana de Suzi Quatro...



...The Pleasure Seekers, una banda anterior de las hermanas Quatro...



...las Shaggs, otras hermanas, cuyo padre fue como Joe Jackson para Michael y sus hermanos. Con diferentes resultados: ellas no tocaban mejor que una banda de actuación de fin de curso en el insti, y lo dejaron tras morir el padre, pero años más tarde se las ha reivindicado como proto-punks; el mismo Frank Zappa dijo que eran "mejores que los Beatles", nada menos...



...The Luv'd Ones, una banda psicodélica que hicieron dos hermanas de Michigan...



Y con anterioridad a todos ellos, estaba un grupo que no tenía registrado, que se llamaba Goldie and the Gingerbreads, que ya hacían discos en 1963, y que se fueron de bolos con los Stones. Resulta que no sólo conozco la canción...



...sino también a la cantante, una polaca que llegó de niña a los Estados Unidos con sus padres, los únicos supervivientes del holocausto en toda su familia. A esta chica, Goldie, la conocí como Genya Ravan a raíz de una canción de 1979 que se llamaba "Steve". A saber si este Steve era Stiv Bators de los Dead Boys: Genya, asidua del CBGB en los gloriosos tiempos del punk neoyorkino, se entusiasmó la primera vez que vio al grupo, que acababa de llegar de Cleveland, Ohio. En "Por favor, mátame", libro de cotilleos guarros sobre el punk donde la Ravan aparece como una mujer de armas tomar, se cuenta una anécdota sobre Genya Ravan, Stiv Bators y nata montada. (Un "detallito sin importancia": la traducción dice "yo era el típico" cuando, siendo la hablante mujer, tendría que decir "yo era la típica". Moraleja de este y algún otro "detallito sin importancia" similar: lean el libro en el original en inglés, "Please Kill Me".)

Genya Ravan produjo el primer disco de los Dead Boys. Aquí el grupo en el CBGB, presentado por el dueño del garito:



En esto, Ravan también ha sido una rara avis. Mujeres productoras tampoco es que hubiera muchas, especialmente si no trabajaban en equipo: están, por ejemplo, Sylvia Moy de Motown, o Sylvia Robinson de Sugar Hill Records.



Ni tampoco hubo muchas mujeres mánager, como Vicki Wickham, que llevó a Dusty Springfield y a Labelle.



Mayormente, los tíos criaban la fama y cardaban la lana. Tenía que llegar el punk para que ellas entraran por la puerta grande: tras las Runaways, llegaron las Siouxsies, Chrissie Hyndes y Patti Smiths.

Y etc. etc. hasta las Amy Winehouses, Cat Powers y Joanna Newsoms actuales. Está a punto de salir el último de PJ Harvey, por lo visto el disco más rabiosamente político de su carrera, según se desprende de su entrevista en El País. Aquí un adelanto, donde acaba citando a Eddie Cochran, ya que empezamos con rocanrol de los 50. Que tiemble Inglaterra.



miércoles, 26 de enero de 2011

No puedo evitar hacer el comentario populista de turno.

Vale, es un blog de música, pero coincide todo el follón de la ley Sinde, Álex de la Iglesia and the Wailers...



...con que la del bolso de piel marrón y su señor marido acaban de tener un beibi...



...y resulta que no lo tienen precisamente en Alcobendas...



...y, bueno, no puedo evitar asociarlo a cierta visita a un hospital de Ele A durante mi viaje de fin de año 2010: no el superhospital de Cedars-Sinai de chupi-Beverly-Hills, con ilustres nacimientos como el de Frances Bean, alias la chavala...


...sino el Ronald Reagan de la UCLA (Universidad de California - Los Angeles)...




...y a la persona "interesada" (por así decirlo) le cobraron la friolera de 500 dólares estadounidenses únicamente por utilizar el complejo hospitalario, léase poner los pies en el edificio, poner el culo en una silla de ruedas, hacer acto de entrada en un cuartito... Más luego, añádase el gasto por atención médica...

...en fin, que hay creadores muy biutiful, acento en el ful, que se pueden permitir cositas como estas.

Por cierto: Hagan el experimento que sugiere un comentarista de un artículo de El País sobre la ley Sinde: Busquen en Google lo siguiente: "corazón partío" mp3 download. O, si la descarga pura y dura nos intranquiliza la conciencia: "corazón partío" mp3 embed. Y que cierren el internet, si se atreven.



domingo, 23 de enero de 2011

Baile funk

A raíz del artículo de Diego Manrique sobre el estado de cosas presentes y futuras en la música que mencioné en el post anterior:

Resulta que sí hubo un productor que promocionó el baile funk: Diplo, un americano de Tupelo (como Elvis Presley) que es famoso por haber producido a, y salido con, M.I.A. (la rapera anglo-srilankesa políticamente comprometida, que también colaboró en la canción del kuduro del post anterior.) Aquí probablemente el tema más famoso de la parejita en cuestión, perteneciente a la banda sonora de esa hiperoscarizada nimiedad con pretensiones titulada "Slumdog Millionaire"...



...que es un rapeado sobre un sample de los Clash.

 The Clash - Straight To Hell .mp3
Found at bee mp3 search engine

El Diplo en cuestión también puso en la escena musical mundial a Bonde do Rolê, una banda de Curitiba (en el desahogado sur de Brasil) que va de baile funk, pero es tan baile funk... (sí, la que sale en el vídeo es la Divine de Pink Flamingos)



...como la Fernandinha Abreu, procedente de la también desahogada zona sur de Río - por cierto, ella llegó antes en la reivindicación del baile funk, y sin diplos ni chiflos.



El baile funk no es música de barrio desahogado. El baile funk es música de favela carioca; hablando en propiedad, es lo que entendemos por baile (reunión de gente para bailar) donde la música que se baila es funk carioca, estilo que los guiris llamamos "baile funk".



(De hecho, creo recordar haber leído la expresión "baile black" o "baile funk" en relación con la conciencia black power en el Brasil de los 70 y la música influida por el soul y el funk que se desarrolló en Río y se ponía en los bailes que tenían lugar en las favelas. Como esta canción de la banda sonora de "Cidade de Deus", película que se desarrolla en la favela del mismo nombre...



...pero lo que se conoce actualmente como "baile funk" viene de una variante del hip-hop llamada "Miami bass", caracterizada por sus letras sexualmente explícitas...



...y eso fue en los 80, así que el fenómeno del funk carioca viene de lejos, la verdad. Aquí un artículo de hace ya 10 años de la revista Veja, el Newsweek de Brasil: toma underground.)

El Diplo codirigió un documental llamado "Favela on Blast" (en portugués "Favela bolada"), que se proyectó en un In-Edit. La película se desarrolla en las favelas, y se las arregla para obviar el tema de la violencia y las bandas criminales como el Comando Vermelho que controlan de facto las favelas y el narcotráfico (y organizan los bailes funk). Se diría que la favela es un remanso de música y perreo. Por lo demás, es otro ejemplo de cómo los brasileños no se dedican a "matar al padre" musicalmente hablando: hay una escena muy bonita donde un viejo se pone a cantar samba y un joven le hace un beatboxing encima.

Aquí la película:



Y aquí otra vez Bonde do Rolê. Malhablados lo son, y un rato largo, como los que salen en "Favela on Blast". Monos, también, a diferencia de los que salen en "Favela on Blast".



Resulta que la chica acaba de hacer un disco en solitario donde cambia tanta aranha pra lá buceta pra cá por... ¡indie!



sábado, 22 de enero de 2011

Artículos

Los cadáveres venden más, como ya se sabe.



Hoy aparece un artículo de Diego Manrique (recalcitrante de mí) sobre el tema, comentando la lista de muertos más rentables según la revista Forbes y el último escándalo en torno al número uno en la lista, que no es otro que el en vida archiendeudado Michael Jackson.

Al cual Michael Jackson le han desenterrado, le han añadido colaboradores como 50 Cent y Lenny Kravitz, y le han hecho publicar un disco. (Aquí anda Dave Grohl a la batería, además.)



Lo que puede la pela, como decía el arcipreste de Hita, y ya llovió desde entonces...



Otro artículo de Diego Manrique de hoy habla de cómo se le presenta lo que vendrá. Comenta que no ha habido más música que ahora, lo cual no tiene por qué ser enriquecedor: la producción se desborda, el mundial de Sudáfrica sólo trajo la vuvuzela, las nuevas tendencias desaparecen antes de asomar la patita al mainstream, las escenas de México y Argentina se limitan a lo que llama "la tontuna indie"; al final se acaba reciclando (mash-ups, discos de homenaje; grupos de versiones simpáticos que quedan en simpáticos, añado yo: como esta especie de Rocky Sharpe and the Replays de los hits del momento:)



Concluye que la industria sigue siendo necesaria como medio de introducción al público en general: refiriéndose a la "world music", compara la popularización de los sonidos promocionados por productores y discográficas como el kuduro angoleño con la permanencia en el ghetto del baile funk brasileño, promovido por los capos de las favelas.

La industria y el periodismo, diría yo. Pero la industria resulta mala malísima a ojos de los consumidores (industria = multinacionales = ...)



... existe la percepción de que el periodismo está vendido a la industria (= multinacionales = etc.) y la SGAE (el presidente de cuyo consejo de dirección, el ex-Judas-superstar, está forrado) no contribuye a hacerla precisamente simpática. Hoy en día, parecería que ni la Stiff saldría del pub, ni la Island de la islita, ni la Motown de la planta automotriz.

Esto es kuduro. La palabra viene del portugués "cu duro", o como dirían aquellos, shake your booty / a mover la colita...



"Parese que va a llover..." (2)

Aún no sé en qué programa de Radio 3 recitaban la primera estrofa de la lluviosa cancioncilla a la que me referí en un post hace un tiempo. Sí sé de quién es la versión que conocía yo antes de enterarme de que, sorpresa, la cantaba Pedro Infante en una película muy popular en México.

Es del Benny Moré. De quién va a ser.



El Benny Moré era uno de los grandes de la música cubana. Se llamaba Bartolomé, le llamaban Bartolo, prácticamente casi nació con el vicio de la música (se hizo una guitarra con seis años), y tras hacer trabajillos de esto y lo otro, se va a La Habana y se dedica a tocar por bares y cafés. En una de estas, le oye Siro Rodríguez, del Trío Matamoros (por entonces, ampliado y con el nombre de Conjunto Matamoros), y a raíz de una afonía del cantante antes de una gira, le llaman para sustituirle. Y un buen día, se van a México de gira: nos ponemos en 1945.



Por entonces, en México la música cubana es muy popular y hay una industria cinematográfica potente: ahí es donde aparece Pedro Infante (y Buñuel, Cantinflas, María Félix...)

Bartolo se tiene que cambiar el nombre, ya que en México quiere decir bobo, y a partir de entonces es Beny o Benny. Pasa una buena temporada en México, se casa con una mexicana y le presentan a Pérez Prado el de los mambos, con quien hace grabaciones. Entre ellas, una canción de la cual Georgie Dann alias La Barbacoa La Barbequiú perpetraría una versión años más tarde:



Con la orquesta del músico de Chiapas Rafael de Paz, graba uno de sus temas más famosos, esta canción homenaje a los mexicanos:



Vuelve a La Habana y trabaja en una emisora de radio con la orquesta de Bebo Valdés (el del Cigala). Más tarde, formaría él mismo su propia orquesta, la Banda Gigante, inspirada en las big bands de jazz. Como señalan las biografías, Benny no sabía solfeo, así que hacía los arreglos tarareando la melodía de las trompetas, la de los trombones, etc. La canción que viene es una de las más populares de su repertorio...



...tanto, que es una de las muchas piezas cubanas que volvió en viaje de ida y vuelta a África: en 1995, el beninés Gnonnas Pedro, que fue cantante de los salseros Africando, publicó su versión, en la tradición de africanos que interpretan música cubana en español de aquella manera.



Se quedó en Cuba cuando la revolución, pero no duró mucho: murió joven (43 años), de cirrosis (le daba al ron pelín demasiado), y en plena popularidad; hay imágenes de su funeral por ahí.

Nos dejó temas memorables. Por ejemplo, este, aprovechando la llegada de las nuevas tecnologías de información y comunicación. O este mambo...



...que ha sido remezclado para las pistas de baile. No en balde llamaban al Benny "el bárbaro del ritmo".



viernes, 21 de enero de 2011

Be stiff!

Stiff Records fue la primera casa de discos de Elvis Costello; la que le puso "Elvis" (cuando llegó con su maqueta, era D.P. Costello: las iniciales de su nombre real y el apellido artístico de su padre, también músico.) Elvis Costello fue el primer contratado de Stiff Records. Este es su primer disco, del año punk por antonomasia (1977), una canción con mensaje antifascista cuyo título dio nombre a una novela de la que se hizo una película.




Los padres que parieron a Stiff fueron Dave Robinson, que fue desde pipa de Hendrix hasta manager de Graham Parker...



...y Jake Riviera, manager de Dr Feelgood...



...ambos hartos de que lo que se hacía en los pubs (o sea, el pub rock), quedara marginal entre la brillantina glam y la grandilocuencia progresiva dado que los pub rockers ni eran megavirtuosos ni tenían glamour: eran unos simples "stiffs" (traducción libre: pringaos). Riviera se lleva de bolos a Dr Feelgood a los USA y encuentra que allí hay una posible salida que no existe en Gran Bretaña: la compañía independiente.

Así que Riviera propone a Robinson montar una independiente. Le piden prestado 400 libras a Lee Brilleaux de Dr Feelgood, y como estos ya tenían sello, eligen al bajista de una banda ya desaparecida que llevaba Robinson, y convierten un par de maquetas suyas en el primer single de Stiff Records (traducción libre: elíjase entre "discos pringaos", "discos rígidos", "discos tiesos" o "discos cadáveres"), de 1976 y con número de catálogo BUY 1 (o sea, compre uno). El boca-oreja hizo el resto; al tipo le encasquetaron el trabajo de "productor residente".




Desde el principio, una de las señas de identidad de Stiff eran sus slogans: como vemos en la etiqueta del primer disco de su historia, tenemos "Electrically recorded" y "The world's most flexible record label" (el sello más flexible del mundo, jugando con uno de los significados de la palabra "stiff", rígido); luego vino el notorio "If it ain't Stiff, it ain't worth a fuck" (jugando con otro de los significados de la palabra "stiff", tieso: una piensa mal). Y uno particularmente ingenioso: "In '78 everyone born in '45 will be 33 1/3": esto se va a dejar de entender con eso del mp3... aunque el vinilo sigue potente, o al menos eso se desprende de las cantidades industriales de vinilo que se encuentran en lugares como Amoeba Music (6400 Sunset Boulevard, Los Angeles) o las disquerías de Brick Lane en Londres (entre ellas, Rough Trade, 91 Brick Lane, una de las independientes británicas a las que Stiff abrió camino). Aquí Amoeba...


...y aquí Rough Trade.


Volviendo al tema que nos ocupa, otra de las señas de identidad de Stiff era que publicaban singles. Aunque también hubo álbumes, y unos cuantos, entre ellos "My Aim Is True", el primero del futuro señor de Krall, o "Damned Damned Damned" (que no está en Spotify), el primer álbum no sólo de Stiff, sino del punk británico, antes de los Sex Pistols y compañía.




Y la otra eran sus bolos colectivos con varios artistas de la casa: el "I Just Don't Know What To Do With Myself" del post anterior procede de uno de esos bolos, el "Live Stiffs Tour" de finales de 1977. (Otro juego de palabras: "la gira de los fiambres vivos": talmente como el de Peret...)



En su época dorada (hasta 1986, año en que el sello "plegó", como dirían los catalanes, por deudas), pasó semejante plantel, aparte de los ya mencionados: Madness (en inglés, para variar de la versión que conocemos, la del paso adelante)...



...Ian Dury...



...los Pogues...



...Devo, con el himno de la casa...



...y algunos menos conocidos, como Lene Lovich...



...Wreckless Eric...



...y el tex-mex de Joe "King" Carrasco.



Motorhead también debutaron en Stiff: (PD EMI bloquea los vídeos de esta canción en España por temas de copyright. Así que hay que poner lo que se puede: una versión en directo.)



Ha habido incluso un disco-homenaje made in Spain...



Stiff sigue todavía, y no sólo haciendo antologías de aquellos tiempos aquellos. Por ejemplo, este grupo de Vancouver es de la escudería Stiff cosecha de 2007 aunque parezcan de 1977.



Para mí, la música de Stiff Records ha formado buena parte de la banda sonora de mi juventud. De ahí que me haya salido un post más que kilométrico. Ya me vale.

jueves, 20 de enero de 2011

Y el de veras

Ya dije en un post que Burt Bacharach (¿el Augusto Algueró americano?) es una debilidad personal. Y junto con Elvis Costello, ya es la bomba...



Lo de Burt Bacharach ya le vino a Elvis Costello de cuando era más joven y estaba menos calvo. Lo que viene (de cuando grababa en la independiente Stiff, cuyo legado es de post monográfico) es la versión que me dejó colgada forever de una canción de Bacharach:



Eso (lo del cuelgue de una canción de Bacharach en versión de Elvis Costello) a pesar de Dionne Warwick, prima de la mucho más famosa Whitney Houston e intérprete clásica de los clásicos de Bacharach y el letrista Hal David:



Aparte de la archiaburrida por archiconocida de las gotas de lluvia que al caer, tuvo otros temas que aparecieron en películas. De este tema, que apareció en la banda sonora de la primera película como actor de Woody Allen...



...hizo una versión Love, que por lo visto no fue en absoluto del agrado de Bacharach al considerar que simplificaba la melodía (lo cual es cierto, aunque a mí también me gusta la versión de Love).



Y aquí siguen varios de los hits del octogenario autor: "Noelia"...



..."Penélope"...



...y "La chica yeyé".



Y acabamos con Burt Bacharach, Elvis Costello y película todo junto.



domingo, 16 de enero de 2011

El Burt Bacharach español (ahí es ná)

Así han llamado un par de comentaristas del jenesaispop a Augusto Algueró, el siguiente en la línea de necrológicas en que parece que se ha convertido este blog.


El ex de Carmen Sevilla nos ha dejado un repertorio que ya es parte del imaginario español: esta canción compuesta por él la bailé con unas españolas transplantadas en Los Angeles tras las campanadas (las tradicionales de TVE desde la Puerta del Sol, que habían grabado nueve horas antes)...



...esta otra, cuya existencia transcurrió desde ser la primera canción que representó a España en Eurovisión con todos sus faralaes (y quedó en el puesto 9 de 16) hasta aparecer anunciando el Carrefour en la versión de Marisol...



...o esta otra, que dio el nombre a la oscarizada señora de Bardem.



Un o una comentaristo o comentarista dejó en jenesaispop una lista de reproducción con canciones compuestas por Algueró o arregladas por él, como esta que viene. La cual lista está fantástica: aparte de formar parte de la banda sonora de mi tierna infancia, con los programas de discos dedicados en la radio y las películas de Marisol y Rocío Dúrcal en el cine, nos muestra el versátil músico pop que era. Se apuntaba a todo, desde la españolada folklórica y olé...



...hasta versiones de canciones internacionales en boga en clave de "música ligera", como esta del Burt Bacharach de veras...



...hasta lecturas de los géneros internacionales en boga...



...hasta un tema del disco-manifiesto tropicalista...




...hasta un anuncio publicitario con quien fuera su "filís" esposa...



...hasta temas no particularmente dignos de Burt Bacharach, la verdad.



En fin, que se nos fue un histórico como Berlanga y Rocío Dúrcal, que en paz descansen.



sábado, 15 de enero de 2011

Canción sorpresa con mondegreen

Me han enviado de Los Angeles el enlace a la canción que viene a continuación.

Es de 1982 y por lo visto aún se oye en todas partes, al menos en Los Angeles; para mí la canción es nueva novísima. La chica que se la envió a mi amiga que me la envió a mí (y a la que conocí en Los Angeles, es decir, a la chica) "no" entiende la letra, para consuelo de los pobres de nosotros que nos rompemos los cuernos tratando de entender el endiabladamente ininteligible idioma inglés: la chica es americana.

Una amiga de esta chica canta la canción como sigue: "Walking in a lake, nobody walks in a lake"... Toma mondegreen: nadie camina en un lago, claro, pero, como realmente dice la canción, tampoco nadie camina en Los Angeles ("Walking in LA, nobody walks in LA"): mi amiga, que es hispano-argentina o argentino-española y sí caminaba en Barcelona, dice literalmente que en Los Angeles coge el coche "hasta para tirarme un pedo". Como una angelina más.



Bueno, sí que hay quien camina en LA: mis amigas / compañeras de viaje a Los Angeles y yo, que no tenemos coche leré. Y por lo que respecta al lago...



viernes, 14 de enero de 2011

Mira que estoy out

No tenía ni idea de Broadcast, una banda inglesa de indie con electrónica, cuando encuentro en la página principal de El País la noticia de que la cantante murió.

Vamos, otra necrológica. En la página principal de la web de El País. Salvando las distancias, me suena como si hubiera leído en la portada de El País sobre el suicidio de Kurt Cobain sin tener el más mínimo conocimiento sobre Nirvana.

Broadcast andaban en el cartel del Primavera Sound de este año. Llevaban 15 años funcionando y habían actuado en el Sónar del año pasado (lo dicho, estoy out pero out, out).



La cantante se llamaba Trish Keenan, tenía 42 años, y es el primer caso en la música que me conste de muerte relacionada con la gripe A. Lo que he estado oyendo de su grupo hasta ahora es muy melancólico, más invierno sound que primavera sound. Aquí varios ejemplos más: la canción a la que lleva el artículo de El País:



Y el jenesaispop, en un artículo donde rinde tributo a Keenan, enlaza este vídeo...



...y este otro.



No eran la alegría de la huerta, pero qué monos eran.



jueves, 13 de enero de 2011

Con todo lo serios que se ponen con el copyright...

...este vídeo me dura y me dura. A fecha de hoy, al menos.

Fue el primer vídeo que hice en mi vida (el segundo fue el de Los Angeles, que ha resultado demasiado pirata como para poderlo colgar en repositorios de vídeos).

Y lo hice for educational purposes, que queda muy politically correct.

Resulta que hubo en mi escuela unas jornadas culturales dedicadas a la cocina internacional y en el departamento de inglés teníamos pensado hacer una muestra de vídeos de canciones sobre el tema. Se me ocurrió cierta canción divertidísima de Nat King Cole (de antes de que empezara a khanthar en esphaniowl sin thener ni repahoulera idheia dhe esphaniowl, y qué bien que pronunciaba, dadas las circunstancias: se le entiende mejor que a muchos hablantes nativos.)



Pues antes que eso, Nat King Cole era un afamado pianista de jazz, famoso por su versión de la canción de carretera más famosa de todos los tiempos, ya que nos ponemos angelinos:



Y de esos tiempos cuando el tipo got his kicks on Route 66 (la cual ruta 66 no existe más que en forma de revista de rocanrol española que celebró sus 25 años de orgullosa recalcitrancia el año pasado) viene la canción alimenticia cuyo vídeo hice yo con documentos de aquí y de allá, entre los cuales estaba lo que había en YouTube...



...simplemente porque no encontré un vídeo íntegro de la canción en YouTube.

Y buscando el vídeo en Google, me acabo de enterar... ¡que me lo han usao! Cosa que me alegra, la verdad.

Incrusto el vídeo que colgué en YouTube. Ha tenido más de 5000 visitas, con 8 "me gustas" y un comentario "WOOOooooooooooo" hasta ahora. Todavía me queda para llegar a Lady Gaga, pero alucino pepinos, máxime porque aún sigue en YouTube. Sin publicidad, que es lo que pasa cuando hay vídeos con copyright que dejan tener en YouTube en países que no son Alemania.



(PD Ya les valía. El mismo Ruta 66 que se negaba a dar CDs con la revista cuando otras revistas que fueron (Tierra, de "world music") o aún son (Rockdelux) daban CDs se ha apuntado a las nuevas tecnologías y tiene página en Facebook. Y además, enlaza con listas de Spotify, como una lista tan recalcitrantemente rutera tal que esta. Ole por el Ruta.

Rockdelux también tienen su página en Facebook, pero su web es un mero anuncio de su publicación en papel y, aunque tiene un reproductor del CD que aún va con la revista, no proporciona ni un triste enlace más allá de su e-mail y la tienda de sus propios productos. Mal.)

Sobre la salida y entrada del año

(año con eñe, leñe: la URL de este post me lo convierte en esfínter y suena fatal.)

1. Sigue la racha de necrológicas. A finales del año pasado le toca al chico de Boney M. Se llamaba Bobby Farrell. Jamacuco de corazón tras una actuación en San Petersburgo, coincidiendo con el aniversario de la muerte de Rasputín, según la Wikipedia en inglés.



Y este año me entero (por el forum de música de mi clase, por cierto) del fallecimiento del one hit wonder (hasta que me demuestren lo contrario) Gerry Rafferty. Hígado hecho puré por alcoholismo galopante.



2. Fue asaz chocante encontrar a la mitad de un grupo más neoyorkino que el Empire State Building enterrado en un cementerio de Hollywood. (No sabía que habían pasado el final de sus vidas en Los Angeles.)






3. Bailo el aserejé en Los Angeles una vez más. Primero en plena época del aserejé, 2003. Ahora en una nochevieja con españoles poseídos por el ritmo ragatanga y campanadas desde la Puerta del Sol, 2011. Y siguiendo con las Ketchup, aparece entre el repertorio tarareado del viaje de 2010-11 una canción que se convirtió en banda sonora del viaje de 2003.



4. En YouTube van en serio con el tema copyright. Acabo de hacer el vídeo del viaje a Los Angeles 2010-11, para compartirlo con la gente que tengo esparcida por el mundo mundial. Al subirlo a YouTube, pasa lo siguiente: esta canción, que tenía puesta un taxista en Santa Monica y por ende pongo un trozo en la banda sonora de mi vídeo, resulta que hace que el vídeo no se pueda ver en Alemania por motivos de copyright. Da igual que sea esta versión o el original de Tito Puente.

Es decir, que unos cuantos vídeos de YouTube no se pueden ver en Alemania. Vaya.



Pongo un trozo de la siguiente canción en otro trozo del vídeo porque la tarareábamos en pleno Hollywood... y me la borran del vídeo. Envío la última parte del vídeo... ¡y me borran todo el audio entero y verdadero!



Y eso que eran trozos de canciones... y ocurre nada más colgar los vídeos en YouTube. Parece que pasa con unos sí (Billy Joel, Tito Puente) y con otros no (el aserejé, la versión de Big Star de "Nature Boy"): dependerá de compañías discográficas.



5. El descubrimiento musical en Los Angeles: la entrega 4 de la serie Verve Remixed (clásicos del jazz, y no sólo, remezclados electrónicamente). Aquí Kenny Dope remezclando a Jaaaaaaaaaaaaaaaaaames!!!



Y eso, que comienza otro año de crisis (o, como decía un amigo americano, lo llaman recesión cuando realmente es una depresión: andan mal). Que nos vaya todo lo mejor posible.